Beyond Boundaries articula una diversidad de lenguajes visuales y sonoros:

• Collage y archivo personal
• Dibujo, pintura y obra gráfica
• Paisaje sonoro, silencio y voz
• Video y video-instalación con múltiples proyectores
• Fotografía y paisaje

Esta hibridación refuerza la idea de viaje como proceso no lineal, fragmentado y abierto, donde cada obra aporta una mirada singular al conjunto.

Hace veinticinco años dejé Argentina para comenzar una nueva vida en España. Sin saberlo entonces, repetía el camino de mi abuelo, que décadas antes había dejado Italia para empezar de nuevo en América.
Nuestros viajes, separados por el tiempo y por contextos sociales y económicos muy distintos, se encuentran en un mismo impulso: la búsqueda de un lugar propio, la nostalgia de lo que se deja atrás y la esperanza de lo que aguarda al llegar.

A través del collage, este proyecto entrelaza ambas migraciones y construye una memoria visual hecha de fragmentos: mapas, pasaportes, rostros, cartas, texturas, objetos y materiales que hablan de despedidas, reencuentros, miedos e incertidumbres, y de raíces que se extienden más allá de la tierra.

Cada imagen es un intento de reconstruir la memoria de ambos —la suya y la mía— y de comprender cómo el viaje transforma no solo el destino, sino también la identidad.
Este proyecto es, en esencia, una carta visual dirigida a mi abuelo, a mí mismo y a todas las personas que alguna vez partieron con una maleta llena de sueños y un pedazo de hogar en el corazón.

El jardín de papá es un documental de 30–40 minutos que combina distintos lenguajes audiovisuales para reconstruir la vida de un hombre a través de los paisajes y de las personas que la habitaron. La película alterna piezas puramente paisajísticas —observacionales y sensoriales— con entrevistas puntuales a quienes compartieron su camino: nietos, hijos, sobrinos, amigos y familiares de distintas generaciones, todos ellos vinculados a los lugares por los que viaja el relato.

El recorrido arranca en La Adrada, en la Sierra de Gredos, territorio de origen y memoria. A partir de ahí, el film traza un viaje físico y emocional por espacios significativos que evocan las diferentes etapas de la vida: la infancia, la juventud, el amor, el trabajo, la familia y la relación entre padre e hijo. Las entrevistas no siguen un orden cronológico, sino que aparecen como fragmentos íntimos que dialogan con las imágenes, los silencios y los paisajes sonoros.

En el contexto del colectivo Arte Cretino y sus exposiciones por galerías, El jardín de papá se presenta no como una única pieza cerrada, sino como una video-instalación. El documental se expande en el espacio expositivo ocupando una estancia completa, donde varios proyectores reproducen simultáneamente distintas capas del relato. Las diferentes edades del jardín de mi papá —el origen, el crecimiento, la madurez y el paso del tiempo— se mezclan y se superponen, generando atmósferas cambiantes y recorridos no lineales.

El espectador no “ve” la obra, sino que entra en ella: camina entre imágenes, sonidos y voces que se cruzan, creando un entorno poético y sensorial. El jardín, real y simbólico, se convierte así en un espacio habitable donde memoria, paisaje y emoción dialogan. Más que un retrato biográfico, la instalación es un homenaje íntimo y colectivo, un acto de amor hacia un padre que se transforma en experiencia compartida, abierta y viva.

The Yellow Umbrella es una cartografía autobiográfica que narra un viaje interior personal, desde la adolescencia hasta la actualidad. El proyecto surge de procesos de conflicto interno y catarsis existencial que han marcado profundamente la visión del mundo de la artista.

La obra no aspira a representar, sino a revelar. A través del dibujo y la fotografía, Yanita construye un relato visual que explora la complejidad emocional del ser humano: la herida, la duda, la transformación y la posibilidad de renacer.

El proyecto se articula visualmente mediante fotografía en blanco y negro, una paleta de colores oscuros y contrastes intensos, donde el amarillo irrumpe como símbolo central. El paraguas —elemento recurrente— representa la búsqueda simultánea de protección y fortaleza. El autorretrato refuerza esta exploración identitaria, marcando un proceso de reencuentro con una misma.

La luz aparece al final del recorrido como metáfora de la positividad, el entusiasmo por la vida y la posibilidad de reconstrucción. The Yellow Umbrella habla de las sombras que atravesamos, de las grietas que nos conforman y de la belleza que puede surgir cuando dejamos de ocultarlas.

Chthonic es un proyecto pictórico que nace del desplazamiento y de la experiencia del viaje como proceso perceptivo. La obra se construye a partir de bocetos realizados en movimiento, donde la urgencia por capturar la luz, la atmósfera y la transformación del paisaje se convierte en el motor creativo.

Estas acuarelas de viaje —rápidas, crudas e inmediatas— se expanden posteriormente en distintos formatos y técnicas, situándose en un territorio ambiguo entre la abstracción y la figuración. El proyecto explora la ilusión visual, los cambios de la luz y los estados transitorios de la materia, evocando espacios donde la forma parece disolverse y reconstruirse constantemente.

Chthonic propone una reflexión sobre la percepción, el mito y la experiencia del mirar, entendiendo el viaje no solo como desplazamiento físico, sino como un tránsito continuo entre lo visible y lo intangible.

En el marco del colectivo Arte Cretino, el proyecto de Josi Castrillo propone una exploración íntima del viaje como experiencia emocional y transformadora. El recorrido se plantea como un tránsito profundo por los vínculos que han marcado su vida, donde cada relación deja una huella que contribuye a la construcción de la identidad.

Las migraciones ocupan un lugar central en este relato, generando un espacio de reflexión sobre la despedida, el reencuentro y la reconstrucción personal. Desde su mirada como diseñador industrial, el viaje se entiende como una pieza en constante rediseño: un ensamblaje de memorias, afectos y aprendizajes que busca equilibrio entre funcionalidad emocional y belleza humana.

El proyecto invita a detenerse, a cuestionar la primacía de los objetos frente a los vínculos y a reconectar con aquello que realmente sostiene el recorrido vital: las relaciones que nos atraviesan y nos transforman.